Eclecticismo

El eclecticismo se puede dividir en dos variantes: la primera en una corriente filosófica cuya proveniencia es Griega y la segunda es en cuanto al arte y la arquitectura .
Nos referimos a ecléctico en términos generales a un movimiento que unifica corrientes de pensamiento diversas para concretizarlas en una sola, como una síntesis personalizada sin ningún estilo rígido y reglamentario.
Inicia el concepto “ecléctico” gracias al arqueólogo alemán Johann Joahacim Whinckelmann quien caracterizó las pinturas de la familia Carracci, quienes quisieron combinar tendencias de diferentes artistas pictóricos como Miguél Ángel, el color de Tiziano Vecellio, el claroscuro de Antonio Corregio, la simetría de Rafael Sanzio, entre otros.
En el siglo XVIII se seguía defendiendo el eclecticismo como un arte y se extendió hasta el siglo XIX como un arte mixto, como lo que hacemos hoy en día, un diseñador 
puede tomar referencias de artistas, pintores, escultores y demás de épocas anteriores, unificar ideas, movimientos y personalizarlas para ponerlas en práctica.
La ventaja de este movimiento es el de ser liberal, pero también por esto mismo no puede tener características que especifiquen la línea por la cual se debe dirigir, todo esto macha acorde a la percepción de cada diseñador y el enfoque o la utilidad que le quiera dar y los materiales que más se acoplen a  los diseños que se fabriquen. 
Con la revolución industrial ya establecida y todos los acontecimientos que se dieron en esta época  tenían a disposición nuevos recursos de materiales para fabricar monumentos arquitectónicos con nuevos o combinados enfoques, es entonces que surge toda la arquitectura neófita:  Neogótico, neoclásico, neorenacentista, etc. 

BAUHAUS: Berlín 1932-1934

BAUHAUS
Edificio + casa= “Casa de la arquitectura”.

Irónicamente a pesar de su nombre y de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo su departamento de arquitectura en los primeros años de su creación.

Hijo pródigo (1919) JOOST SMIDTH:

-Atraído por el programa vanguardista de la academia de bellas artes y las artes aplicadas en Weimar Joost Smidth continúa su educación superior con la apertura de la Bauhaus.

-Finaliza sus estudios en 1925. 

-Pintor, escultor, tipógrafo y diseñador gráfico alemán, en 1932 siguió los pasos de sus sucesores de docencia en la Bauhaus lo cual era habitual.

-Fue director de diferentes talleres en la Bauhaus: escultura, publicidad, escritura, dibujo y desnudo.

-Luego de colaborar con el arquitecto Mies Vander-Rohe en la exposición “Pueblo alemán, trabajo alemán” celebrada en 1934, Schmidt fue clausurado como docente por el régimen socialista.

-Luego de ser detenido dos años de su vida, se dirige a Berlín para dar clases de dibujo y es en ese período que realiza múltiples exposiciones y escribió sus primeros libros.

-En 1921 diseñó el interior como el exterior de la casa Sommerfelt con exquisitos tallados en madera de teca con motivos geométricos y metamórficos. Y así progresivamente fue desarrollando diversos proyectos.

BIENVENIDOS A BERLÍN

En 1925 Lázzlo Moholy-Nagy decide abandonar la docencia después de haberla impartido 5 años debido a los cambios bruscos de la política comunista en esa época.

1933 Los nazis cierran la cede de Bauhaus en Dessau.

Ludwin Mies vander Rohe director desde 1928 traslada la Bauhaus a Berlín a un edificio antiguo de telefonía con fondos ganados de la ilegalidad de cierre de contratos.

La bauhaus se convierte ahora en escuela privada con 6 meses de estudio pero un precio más alto de matrícula.

Pionera del interiorismo LILI REICH
Desarrolló técnicas textiles desde muy joven, en especial el bordado a máquina, aprendizaje que le sería muy útil ya que muchos diseñadores y arquitectos se interesaron en sus proyectos y fue solicitada a varias localidades para que ofreciera sus conocimientos en talleres de diseño.

Se retira de maestra para crear su propio taller de interiorismo, decoración y moda en donde destacan sus diseños para pabellones feriales y exposiciones y la arquitectura interior.

El arquitecto Mies Van der Roe observa su labor destacada y le invita a trabajar juntos, esto conllevó a que en 1929 diseñaran un pabellón Alemán en la exposición internacional en Barcelona.

1930: Van der-Rohe es nombrado como el nuevo director de la Bauhaus y asigna a Lilly Reich como directora de la sección de montaje.

1933: Hallanamiento a la Bauhaus por parte de los Nazis y se clausura totalmente hasta mudarse a Estados Unidos donde en 1937 Lázlo Moholy-Nagy se convierte en el director de la “new Bauhaus” en Chicago.

Lázlo Moholy-Nagy: Pintor, escultor, fotógrafo, cineasta, diseñador, tipógrafo, teórico del arte, pero también arquitecto de exposiciones, publicista, escenógrafo, pedagogo infatigable, es 1920 y 1930 en una persona.

Proviene de Hungría, y luego de estudiar derecho decide optar por el arte y la pintura. 

Buscando su método de diseño comienza a divagar por el arte dadaísta y constructivista.

En 1922 afirma su tendencia artística y esto lo hace experimentar materiales novedosos (acetato de celulosa, plexiglass, aluminio, entre otros).

Combina arte, industria y ciencia en el proceso constructivo con un toque de inspiración y disciplina tanto en sus creaciones como profesor.

A pesar del terrible momento en el que se encontraba Nagy, él quería que el ser humano encontrara esa armonía de actitud productiva, esa voluntad máxima de poder realizar las cosas con la mayor satisfacción en donde el cuerpo y la mente van de la mano.

Por lo tanto: 

Ser humano + introspectiva = armonía con su entorno (naturaleza).

Abrir la vista de un entorno por medio de la fotografía, el fotograma y la cinematografía para sustraer la comprensión y el análisis del espacio, la luz, tiempo y movimiento con la finalidad de expandir el campo de experiencia.

“Para él, el objetivo de tales medios artificiales no consiste en corregir o suplir las debilidades de la óptica humana, sino por el contrario, en elaborar una nueva visión capaz de "dar forma" a la vida”. 

En 1996, Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como patrimonio de la humanidad por la Unesco.

Revolución industrial

Luego de hablar sobre culturas antiguas, muebles y la travesía de la religión y la política nos remontamos hacia algo plenamente novedoso, y comienza en Inglaterra en el siglo XVIII, siglo con el que más nos sentimos cómodos al hablar de él porque tenemos un conocimiento más certero sobre éste.

Y es que cuando me refiero a la revolución industrial, más de alguno de nosotros debió ver una película de Charles Chapling metido en problemas dentro de una fábrica y aunque sea muy cómica, si se analiza tiene algo de lógica, pero eso lo dejaremos un poco de lado.

Enfoquémonos en que fue el auge de producción hechas por máquina, aquello era tan “sofisticado” que comenzaron a crear máquinas para todo y por su puesto, generó consecuencias ya que se necesitaba menos personal para trabajar ya que las máquinas hacían la parte mayoritaria. Y cuando digo que dejaban que las máquinas hicieran casi todo, no solo me refiero a productos de menor escala y mucho más, cuando estas máquinas ahora pueden manipular piezas metálicas de gran tamaño y que en consecuencia los arquitectos de esa época se pusieron un poco celosos ya que el fuerte de la ingeniería civil son las estructuras metálicas y por lo tanto comenzaron a tomar mayor protagónico como el proyecto del puente colgante de Clifton, la biblioteca nacional de París, el cristalpalace en gran Bretaña, etc.

Hablando un poco sobre cómo las personas se desenvolvían en su día a día cabe mencionar que las grandes ciudades ahora se conocían como “ciudades dormitorio” debido a que la mayoría de empleados habían emigrado hacia la gran ciudad y por lo tanto les era conveniente buscar un lugar dónde dormir cerca del perímetro del trabajo. Mencionando un detalle algo trágico, debido a que los obreros comenzaban a manipular maquinaria tan novedosas era casi normal que una persona tuviera algún tipo de accidente y es entonces que a futuro se van a crear las reglas de seguridad para las fábricas.

Tener una revolución tan significativa llegó a tener una consecuencia igual de grande que incluso nos sigue afectando y empeorando hoy en día, la contaminación.

Rococó y Neoclasicismo

Después de un largo período de vacaciones, ya era tiempo que publicara otra entrada al blog. Esta vez hablaré un poco sobre cómo el Rococó marcó del siglo XIV al XVII.

Los comienzos de este estilo mejor conocido como "de mal gusto" (ya le explicaré el por qué)  fué introducido por la familia de arquitectos barrocos Churriguera, quienes tenian un estilo muy característico para la creación de sus obras: decoración sobrecargados, utilización mayoritaria del color dorado, todo a una escala magnífica, el uso de retablos para las fachadas, entre otras características.

Se llegó al nombre "Rococó" debido a una broma de un señor llamado Pierre-Mauris Quays llamando este arte como "rocalle" o "baroque" debido a que observó una asociación entre elementos que contenían imitación de piedras preciosas, detalles curvados como conchas, caracoles y mariscos.

Sus características más sobresalientes son que este movimiento aparece en el reinado de Luis XIV, sus detalles recargados son hechos a base de yeso con pintura dorada y en algunos casos se utilizada el pan de oro que es una lámina muy delgada de oro puro para utilizarla en revestimientos y amoldarla a una figura sin la necesidad de que la pieza sea en total oro puro, el rococó es opuesta al barroco y al clasisismo sin embargo la influencia para este arte fue el mismo barroco pero con unión del renacimiento.

Posee líneas curvas y asimétricas, desplaza hojas de canto, existe una ruptura predominante de la apariencia exterior con la interior, sus motivos de diseño son orgánicos ya sea de flora o fauna.

Llegamos al tan soñado siglo XVIII es solo que explicaré con brevedad el neoclasicismo. Sus influencias provinieron de Grecia y Roma. 

El uso prioritario de la arquitectura eran los jardines más las columnas y los arquitectos eran mayoritariamente reconocidos como "turistas" ya que ellos viajaban para retomar elementos arquitectónicos para aplicarlos a sus diseños, hoy para nosotros es más fácil gracias a la navegación por internet.

Barroco

Continuando con la historia y retomando el propósito del blog por el cual fue creado, avanzamos hacia la época del Barroco que abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII manifestándose primeramente en Europa occidental hasta expandirse incluso hacia las potencias que habían gobernado, principalmente Latinoamérica. Este movimiento fue aceptado con brazos abiertos en comparación al Grutesco y por lo tanto influyó en todas las áreas artísticas, arquitectónicas, escultóricas, ornamentales y literarias.

Este período es característico por los fuertes conflictos religiosos que se dan entre protestantes y católicos en especial Inglaterra cuyo heredero al trono, el Rey Henry VIII (Enrique VIII) descendiente de la familia Tudor tuvo mayor protagónico en cuanto a escándalos de realeza con la iglesia se refería. Henry VIII tuvo seis esposas en total, en resumen: la primera desterrada (madre de Mary), la segunda (madre de Elizabeth) y la quinta decapitadas debido a traición, la tercera fallece al dar a luz (Eduardo VI), la cuarta se titula como su hermana debido a la buena relación de amistad que tenían y que nunca se consumió el matrimonio, finalmente la sexta fue quien soportó el fallecimiento de Henry VIII pero no tardó en consolarse ya que se casó cuatro veces más y al hacer esto con el primer esposo perdía el título como reina.

Luego de este escándalo los hijos no se quedaron atrás pero eso lo dejaremos un poco de lado.

Vayámonos a los puntos que más nos interesan en los muebles antiguos, las características más dominantes en el mobiliario del Barroco son: mayor pesadez en sus mobiliarios tanto visual como físico, sus tallados son de motivos geométricos y florales, lineas curvas y rectas, mayor ornamentación que el renacimiento, ocupaban maderas como el roble y el nogal y de característica oscura, incrustaciones y chapados (ébano), objetos torneados y surgen las maravillosas innovaciones técnicas como por ejemplo: los ensambles, se crean los tornillos para que funcionen de mejor manera las puertas abatibles y finalmente aquí aparece nuestra herencia, la bisagra escondida.

Grotesco "Grutesco"

Si ya se les había permitido a los artistas liberar su creatividad, en esta época estallaron todas las mentes creativas aunque en ese momento fueron titulados como burdos. Estos artistas combinaban excentricidades: unían partes de animales con humanos, extendían extremidades que sostenían sus cabezas, utilizaban monstruos como las gárgolas vistas en el estilo gótico o transformaban en hojas las patas de un caballo y se atrevieron a desafiar la gravedad, la razón y lo racional.

Este movimiento prosiguió del manierismo, pero su base de inspiración se dice que provino de las pinturas de las cuevas que fueron descubiertas, no exactamente cuevas, sino a ese tipo de hallazgos arqueológicos del momento como Pompeya, la Domus Aurea, los termos de Tito en Roma, etc. 

El arte grutesco a pesar de ser bastante discriminado por muchas personas que consideraban esta tendencia como una pérdida de tiempo y algo invaluable (no en el buen sentido), llegó a expandirse en grandes cantidades a través de decoraciones pictóricas y arquitectónicas como un arte menor.

Al ser algo muy novedoso para esta época, no podemos descartarlo del todo ya que en el futuro lo retoman como fuente de inspiración el pre-romanticismo, el surrealismo y el expresionismo por ser uno de los movimientos que se atrevió a dar más que el convencionalismo y superó a cualquier imaginación en ese período, ya que la creatividad más descabellada era la más valiosa para quienes practicaban se arte.

Más allá del arte y la arquitectura, el estilo grotesco se expandió hasta la literatura cuyos autores (como por ejemplo: Justus Möser, Edgar Allan Poe y además de otros escritores latinos) lo reflejaban a través del teatro: la comedia dentro de la tragedia.

Manierismo

En esta tercera década del siglo XVI surgen los detalles arquitectónicos sin alguna función específica, es decir se caracterizan por la adición de elementos simplemente decorativos y se sustrae totalitariamente el estilo clásico que veníamos viendo, sin embargo se pierde la claridad de conceptualización ya que es aquí en donde el artista expresa su arte con sus propios gustos.

Lastimosamente es en estos años que Miguel Ángel desarrolla sus últimas obras antes de morir, pero aun así son recordadas con bastante fervor ya que su talento es indiscutible. El manierismo principalmente se origina en Venecia por medio de unos mercaderes y se esparce a Roma por dos papas Julio II y León X.

En cuanto al arte, el manierismo trata de resolver la complicidad de las posturas difíciles de la pintura incluso pueden llegar a ser cómicas por esta característica y se tendió a deformarse la antropometría ya que las cabezas son más pequeñas y las figuras son de semblante más alargado y estilizado. Del mismo modo, los colores no expresan naturalidad sino que hasta cierto punto expresan artificialidad por los contrastes que en vez de apoyarse generan una batalla de predominancia entre sí.

Debido al estilo casi ecléctico ya que cada artista quería darle su “toque especial”, este movimiento es difícil de caracterizar con exactitud, porque posee cierta complejidad en sus obras, sus símbolos que aún no se han revelado completamente, códigos e información escondida en ellos, que confunde su interpretación, más bien, se matiza de diferentes maneras hasta tal punto que han llegado a considerarla como una etapa del Renacimiento más alto o que forme parte del tardío.

Ver Rapto de Proserpina